Etichetta: Elektra Records
Prodotto da: Bruce Botnick, The Doors

Assolto parzialmente dalle accuse di atti osceni, Morrison raccoglie gli ultimi pezzi della sua carriera dedicandosi alla poesia. I Doors ormai sono al capolinea. Come se non bastasse i gravi problemi di alcoolismo di Morrison, lo trasformano da uno sciamano edonista ad un ubriacone perdigiorno. Inoltre le tragiche vicende di Hendrix e di Janis Joplin, lo portano ad affermare in maniera macabra ad amici: «State bevendo con il numero 3. Esatto. Il numero 3.»

Le vendite delle opere poetiche di Morrison, ‘The Lords and The New Creatures’ e ‘An American Prayer’ procedevano discretamente, ma agli occhi di tutti Jim Morrison era la rockstar, non il poeta affabile in cui lui si immedesimava.
L.A. Woman nasce sotto una coltre di depressione poetica visibile nelle liriche di Morrison, che vive da bluesman, visibilmente ingrassato con barba e capelli lunghi poco curati. La fortuna probabilmente, è che Paul Rothchild decide di non produrre il nuovo disco ritenendolo lontano dallo stile consueto dei Doors; quindi il testimone passa al suo vice, Botnick che lascia la band libera di creare.
L.A. Woman è un disco che nessuno prima dei Doors aveva provato a registrare. Un blues secco, spinoso, senza compromessi, tragico e allo stesso tempo denso di una malata ispirazione. È l’emblema della condizione di Morrison, sempre più malconcio e ostaggio dei propri fantasmi.

Ad arricchire la sezione ritmica ci pensano il bassista Jerry Scheff (già con Elvis) e il chitarrista ritmico Mark Benno. E le prime note di Changeling mostrano subito la nuova direzione presa: se la confrontate con le hits d’esordio rimarrete alquanto disorientati.
Love Her Madly è una delle più ispirate liriche con tracce di onirismo beat. Il ritmo è incalzante e la casa discografica opta perché diventi il primo singolo. Si prosegue con altri blues più o meno efficaci, come Been Down so Long, tratto da un romanzo di Richard Farina, o Crawling King Snake, pezzo teso e freddo cantato con voce viscida e impastata. Spazio anche per il recupero di  L’America, pezzo scartato qualche anno prima da Michelangelo Antonioni per il suo controverso Zabriske Point.

Ciò che fa grande L.A. Woman sono tre tracce in particolare. The WASP (Texas Radio and the Big Beat), elegia orgasmica e succosamente beatnik, con perle poetiche di impressionante valore ancora oggi:

«The Negroes in the forest brightly feathered.
They are saying, ‘Forget the night.
Live with us in forests of azure.
Out here on the perimeter there are no stars
Out here we is stoned – immaculate’»

La title-track, è un viaggio on the road per la fantastica L.A., in cui Morrison si racconta con la consueta maschera di versi visionari e densi di immagini: gli ‘Hollywood bungalows’, oppure i topless bar o le strade polverose del deserto o delle spiagge. E poi questa donna misteriosa: « Are you a lucky little lady in The City of Light, or just another lost angel …City of Night».
Il picco si tocca quando Krieger e Manzarek preparano il terreno per l’estasi finale in cui fa capolino Mr. Mojo Risin’ (brillante anagramma di Jim Morrison), in un incalzante e delirante crescendo che reca in ugual misura raggelanti e torridi brividi corporei,  seducendo l’ascoltatore nella parte finale di L.A. Woman.

L’album si chiude con la malinconica e viscerale Riders on the Storm. Una tempestosa melodia da cocktail-bar, che lascia pian piano spazio ad un blues leggero e narcotico, in cui Morrison canta di un ‘killer on the road’, sicuramente ispirato a The Hitchhiker, un copione scritto dal cantante in cui si parla appunto di un killer autostoppista nel deserto del Sudovest. Una sorta di Easy Rider mal riuscito.

Quando l’album esce negli States Jim Morrison è già a Parigi. E l’epilogo è già scritto. Il gruppo non è sciolto ma poco ci manca.
Nel luglio del 1971 se ne va anche il numero 3: James Douglas Morrison. I misteri che si susseguono sulla morte del cantante-poeta, alimentano tiepidamene l’interesse per il resto dei Doors, che tuttavia continuano come trio: falliscono in maniera prevedibile e si sciolgono definitivamente poco dopo.

L.A. Woman è l’ultimo album in studio dei Doors. Un disco geniale e ispirato, colmo di enfasi e di passione malata.
Il canto del cigno. E che canto, un canto decisamente blues !

recensito da Poisonheart

Etichetta: Track Records
Prodotto da: Chas Chandler
Registrato a: Olympic Studios; Londra

Registrato nell’estate del 1967 ma fatto uscire solo sei mesi dopo, Axis: Bold as Love è il secondo capitolo lisergico della Jimi Hendrix Experience. Un lavoro più elaborato e complesso del precedente e fortunatissimo Are you Experienced?, offrendo ottime innovazioni sul campo della registrazione in studio. Hendrix cambia armonia, accordando la sua Stratocaster  mezzo tono in meno, inoltre sperimenta con successo lo leslie speaker, confezionando un disco decisamente più sognante e rarefatto con sonorità acide ed artificiali.

Travagliata, tuttavia, fu la realizzazione del disco, specialmente quando, a lavoro compiuto, Hendrix perse i masters definitivi destinati alla stampa. Cosicché si dovette tornare in studio per il ri-missaggio del disco, con una notevole perdita di qualità rispetto all’originale, almeno secondo l’opinione di Hendrix. Senza dimenticare che in fase di art-work fu commesso un grossolano errore. La copertina ritrae Hendrix, Mitchell e Redding come delle divinità indiane, in uno sfondo tipicamente psichedelico e palesemente in linea con lo stile dell’epoca. Ahimè, Hendrix intendeva celebrare le origini materne da indiano pellerossa; il quiproquo è quindi facilmente spiegabile.

Dal punto di vista artistico, Axis: Bold as Love, non è solo la celebrazione del flower power, ma di un percorso di ricerca e sperimentazione che spesso non viene colto. Se il debutto era costellato di numerose hits e fortunati singoli, quest’ultimo lavoro è decisamente più completo e organico.
Spanish Castle Magic prende il nome da una sala da ballo in cui Hendrix ebbe l’idea (o la visione) della canzone. Con un testo tipicamente hippy: «If we travel by my uh, dragon-fly /No its not in Spain» il brano suona fresco e movimentato, con una spiccata punta di funky. La stessa che si trova chiaramente in Wait Until Tomorrow, con tanto di voci in background.

Little Wing è il miglior brano del lato A. Con un prolungato riff iniziale, in cui Hendrix si diletta in una calda jam elettrica, correlata da liriche magiche e colorate, con qualche traccia malinconica, stemperata con veloci rullate della batteria. If 6 was 9 è a tutti gli effetti un brano in cui lo leslie speaker viene abusato. Nevrotica e tormentata da allucinogeni chiude ottimamente il lato.

Se You got me Floatin’ risveglia un rock ‘n’ roll alla vecchia maniera, Castles Made of Sand ritorna nella via maestra dell’lp, in cui le atmosfere lisergiche e rarefatte la fanno da padrona. She’s so Fine è il contributo artistico e compositivo di Redding, molto vicino alle sonorità inglesi anni ’60, specialmente agli Who. Bold as Love chiude il disco con una sferzata delle migliori. Blues e rock suonati divinamente da Hendrix, segnano un piccolo inno pacifista e una ventata di serena tranquillità: «And all these emotions of mine keep holding me from, eh / Giving my life to a rainbow like you / But, Im eh , yeah, Im bold as love».

Axis: Bold as Love segna quella che è l’epoca d’oro di Hendrix e della sua band. Anche se non particolarmente ricco di hits, è un lavoro che amalgama quanto di buono e magnifico hanno saputo fare questi 3 musicisti, senza dimenticare che la consacrazione definitiva la ottennero sui palchi dei grandi concerti e festival di quell’irripetibile estate dell’amore.

recensito da Poisonheart

Etichetta: Decca Records
Prodotto da: Johnny Miller
Registrato a: Olympic Studios, Londra

Il 1969 si rivelerà per gli Stones un anno particolarmente intenso. E nero.
Brian Jones sempre più ai confini della band, viene liquidato da Jagger & Co. nel giugno dello stesso anno. Tuttavia partecipa molto sporadicamente alle registrazioni di Let it Bleed. Il 3 luglio, mentre il resto del gruppo è ancora in studio, il corpo di Brian Jones viene ritrovato galleggiante nella sua piscina ad Hartfield.
Lo shock è decisamente enorme. E la notizia fa il giro del mondo. Paradossalmente la tragica morte di Jones sarà solo la prima di tante che investiranno il mondo del rock giovanile (Hendrix, Joplin e Morrison).
I sogni della generazione dei fiori stanno per finire. E’ solo questione di tempo. 

La conferma arriva il 6 dicembre del 1969 ad Altamont vicino San Francisco. L’occasione è un festival in stile Woodstock, nel quale in un solo giorno, Rolling Stones, Jefferson Airplane, Santana, Grateful Dead e altri, si esibiscono gratuitamente. Arruolati come servizio di sicurezza i poco rassicuranti Hell’s Angels, noti per essere particolarmente violenti e facili alla rissa. Le cose precipitano.
Mick Jagger si prende un pugno in faccia appena sceso dall’elicottero, e dopo un bel ritardo gli Stones si esibiscono finalmente sul palco, infiammando ancora di più il clima bollente. Meredith Hunter sale tristemente alle cronache. Durante Under my Thumb, il ragazzo di colore viene accoltellato da un Hell’s Angel. E i sogni s’infrangono. Solo dopo si saprà che Hunter brandiva in mano un arma da fuoco.

Gimme Shelter suonerà sinistramente come una beffa, nei versi «War, children, it’s just a shot away / It’s just a shot away». Let it Bleed infatti era già nei negozi nel dicembre 1969, quindi niente di premeditato. Anzi, la canzone ha un chiaro significato contro la guerra con un retrogusto lievemente apocalittico, Vietnam docet.

« The floods is threat’ning
My very life today
Gimme, gimme shelter
Or I’m gonna fade away»

E’ il brano di punta del disco. Pungente e raffinato allo stesso tempo: dai lampi di genio di Richards ai cori caldi e soul di Merry Clayton.

Love in Vain è l’immancabile omaggio a Robert Johnson. Una cover ben eseguita da dei “bianchi”; questo in fondo viene da pensare. Manca tuttavia il calore dell’originale ma questo è ovvio, nonostante il mandolino di un certo Ry Cooder.
Live with me è il contributo di Mike Taylor alla causa Stones. Il chitarrista è il sostituto ufficiale di Brian Jones e in questo brano decisamente r’n’b si può apprezzare una grande varietà sonora, grazie anche al sax suonato da Bobby Keys.  
La tittle-track, chiude il lato, ed è un classico della discografia della band. Parte con il piano suonato Ian Stewart che accompagna le scorribande rock di Richards e Wyman; eppure sembra quasi un brano da saloon, scanzonato ma potente. Dissipato da numerosi riferimenti a droghe e sesso da «She said, “My breasts, they will always be open / Baby, you can rest your weary head right on me » sino « When you drunk my health in scented jasmine tea» fu accantonato come possibile singolo. Curiosamente Let it Bleed fu ritenuta una sorta di parodia tagliente verso i Beatles con la loro Let it Be. L’assonanza è palese.

Nel lato B si può apprezzare l’esiguo contributo di Jones, in Midnight Rambler e nella leggera come etere You got the Silver in cui suona l’esotica autoharp, (l’arpa con i tasti, volgarmente parlando).
A dare senso al lato ci pensa You can’t always get what you want. I cori della London Bach spruzzano delicatamente un aura solenne al brano, che parte piano pian acustico con la sola voce di Jagger. Poi esplode in un mezzo gospel, in cui Al Kooper si esibisce al piano. Ricco di sonorità il brano è completo a tuttotondo, con le percussioni caraibiche suonate da Rocky Dijon.

Una conclusione maestosa per un album maestoso, quindi. Let it Bleed è il lavoro più omogeneo, in cui il produttore Miller si esalta in tutta la sua abilità. Gli Stones non vengono snaturati, nonostante i tantissimi ospiti, anche illustri; inoltre Mick Taylor esordisce bene e supera l’esame entrando di diritto nella famiglia Stones. Senza dimenticare la geniale cover del disco, che non è certo seconda rispetto alle copertine marchiate Beatles.
Merita di comparire tra i migliori album di tutti i tempi, ed è una delle perle della fine degli anni ’60: nonostante quel 1969 sia stato nero !

recensito da Poisonheart

Etichetta: Cherry Red Records (UK), Faulty Products (USA)
Prodotto da:  East Bay Ray
Registrato a: Mobius Music, San Francisco

I Dead Kennedys, in tutto lo scenario punk hardcore e non solo, sono stati la band più lucida e altrettanto spietata nel compiere una massiccia sollevazione e rivolta giovanile. L’intento primario, sottolineato in liriche ciniche e gelide, era di demolire e violentare una società americana manesca e corrota, dissacrandone i falsi miti del sogno nazionale, mettendo alla berlina i simboli di potere, senza compromessi. Un modo di combattere aggressivo e non solo musicale, con Jello Biafra personaggio irriverente, sadico ma sorprendentemente acuto ed un intelligente provocatore, attivo anche in campo giornalistico, poetico e persino politico (ottenne quasi 7000 voti per la poltrona di sindaco di San Francisco). Una delle figure centrali del movimento hardcore californiano, e una band, baluardo coraggioso di una rivolta giovanile vera e con ideali concreti, che ad oggi dovrebbe far tremare di vergogna i cosiddetti no-global o spiriti affini. 

Formatisi nel 1978 dal chitarrista East Bay Ray e da Jello Biafra, con cui condivideva una passione per il punk inglese marchiato Damned e Sex Pistols, si fanno notare per l’aggressività dei testi rivolti spesso a tematiche sociali. Parallelamente all’attività della band (completati da Klaus Flouride e dal batterista noto come Ted), i due fondano l’etichetta Alternative Tentacles che negli anni ’80 fungerà da trampolino di lancio per molte band di San Francisco.

Il 1980 è l’anno del capolavoro Fresh Fruit for Rotting Vegetables, dalle sonorità spigolose ed avvolgenti che strizzano l’occhio al punk britannico. Un lavoro sostanzialmente maturo nonostante sia l’esordio.
Le liriche acide e controcorrente di Biafra affrontano temi vicini (come la situazione di San Francisco negli anni ’80) sia temi di interesse internazionale (la povertà e l’oppressione, il Terzo Mondo, il pericolo atomico), con una genialità unica nel suo genere. Inno per eccellenza è il singolo datato 1979, California Über Alles, che fa il verso all’inno nazionale tedesco. Il nemico giurato di Jello Biafra è il governatore della California, Jerry Brown, definito un “hippie fascista che incarnava tutto ciò che di marcio c’era nella cosiddetta generazione baby-boom”. In maniera grottesca il Governatore viene rappresentato come un gerarca nazista intento a pronunciare il suo discorso alle masse: geniale la copertina del singolo edito dalla stessa Alternative Tentacles.

I versi di Biafra sono come bruciature di sigaretta, Kill the Poor che apre il disco ne è un esempio. La chiave di lettura suggerita porta alla distruzione che può causare una bomba al neutrone, mezzo, secondo il gruppo, usato dai ricchi per radere al suolo la “concorrenza”, ossia le poche cose della cosiddetta povera gente.
Un nichilismo socialmente utile e una capacità di evocare immagini crude ma efficaci per il fine che i Dead Kennedys si sono posti. Let’s Lynch the Landlord mette i brividi nei suoi scarni 2 minuti: «Turn the oven on, it smells like Dachau, yeah / Til the rain pours thru the ceiling».
La chiamata alle armi arriva con Forward to Death impossibile da tacere, con un lacerante «I don’t need this fucking world», una spinta propulsiva e sotto un certo aspetto propositiva, che nel punk del no-future ’77 sarebbe stata inconcepibile.

Dissacrante ed esplosiva è Chemical Warfare, in cui Biafra immagina di “sterminare” i membri altolocati di un country club. Le immagini sono nitide e semplici, tuttavia il loro impatto è devastante, complice un hardcore ben strutturato, potente alla batteria e variopinto alla chitarra. Il motivetto centrale da circo ritrae alla perfezione la maniacale visione del gruppo verso certe tematiche. Humor nero, in fondo.
Altra perla amara è Holiday in Cambodia un satirico confronto tra l’America di Reagan e la Cambogia di Pol Pot; apertamente critici con entrambi, i Dead Kennedys creano una musica densa di tensione, l’impressione è di stare nelle oscure foreste cambogiane, con chitarra e basso che dettano un tempo claustrofobico e raggelante.
Per capire bene questo disco è suffciente l’antitesi tra due geniali intuizioni contenute nel disco, I Kill the Children angusta canzone sui killer seriali tristemente famosi negli anni ’80 (di cui molti altri gruppi se ne occuperanno, dai Sonic Youth sino ai Butthole Surfers), e Viva Las Vegas, cover di un successo di Elvis Presley, in cui i Dead Kennedys si cimentano con un rockabilly malato e lacerante.

Buttate via tutti i vostri dischi da 4 soldi targati pop-punk fine anni ‘90: Fresh Fruit for Rotting Vegetables è la piccola bibbia di qualunque amante punk (non solo hardcore) che si rispetti.

recensito da Poisonheart

Etichetta: SST Records
Prodotto da: Spot, Black Flag
Registrato a: Unicorn Studios

Una curiosità: i Black Flag furono la prima band hardcore ad uscire regolarmente dalla California per dei tour a dir poco esplosivi.  Se questo non vi sembra straordinario, bisogna immedesimarsi in quello che era Los Angeles nei primi anni ’80. Una città abusata dal potere delle autorità politiche, in cui le urla di piccole band spesso autoprodotte, cercavano di sovvertire l’ordine facendo sentire la propria voce, sputando liriche velenose con ritmi veloci e rutilanti. Le illusioni degli anni ’70 avevano prodotto una generazione sfinita dalla realtà: era ora di cambiare questo, e Greg Ginn fondatore dei Black Flag lo aveva capito benissimo.

Dapprima fondò la SST Records, che diventerà la label per eccellenza delle band alternative e hardcore del paese, e dopo aver cambiato spesso line-up, trovò in Henry Rollins un magnifico portavoce in grado di lanciare messaggi credibili e autentici. Coadiuvati dalla seconda chitarra di Dez Cadena, dal basso di Chuck Dukowski (cofondatore della SST nonché successivamente brillante manager) e dalla batteria del potente Robo.
In questo clima esce un disco fondamentale per la scena hardcore, un gioiello come Damaged intriso di furore isterico, che catapulta l’ascoltatore in un terremoto sonoro rabbioso ma lucido nella sostanza.

Diffidenti verso le autorità di polizia, che per altro perseguitarono spesso la band, Rise Above scaglia con veemenza messaggi carichi di significato che preannunciano una vera e propria chiamata alle armi.  «We are tired of your abuse / Try to stop us it’s no use » funge da coro di incitamento per il pubblico, pronti alla battaglia i Black Flag scelgono un sound corrosivo ma ragionato.
Tagliente l’intro di basso di Dukowski in Six Pack, che fa salire un adrenalina che esplode solo nel chorus successivo: abrasivi, pungenti, maniacali. Se un paragone è accettato, almeno nei messaggi lanciati, a volte ricordano gli esplosivi MC5 di Detroit. Impegnati o piuttosto (dis)impegnati dalle utopie conservatrici che attanagliavano il paese (Reagan saliva alla Casa Bianca), i Black Flag riuscirono ad anticipare i tempi, scatenando una sovversione più ideale che pratica, ma che fu da base per le generazioni che si affacciavano alla musica indipendente. Police Story penetra fino al midollo e lascia impietriti dalla potenza espressa, come Thirsty and Miserable, ove la velocità non è l’unica prerogativa, le ruggenti chitarre di Ginn e Cadena urlano quanto la voce di Rollins.

Nei canoni classici dell’hardcore ironico e pungente è T.V. Party, meno densa di rabbia delle precedenti e più cinicamente orecchiabile (passatemi il termine), «We’ve got nothing better to do / Than watch T.V. and have a couple of brews».  Apparentemente spensierata la mescalinica Gimme Gimme Gimme, uno scossone di meno di 2 minuti che non ha paragoni. Immaginatevi di essere nella bocca di un cannone, pronti per sparati via: la sensazione è la stessa. Sommersa No More, dopo un soliloquio di basso e batteria esplode alla maniera di Rollins. Non trascurabili le versioni di Damaged I e II, ricolme d’odio pulsante nelle vene e nelle corde vocali.

La MCA dapprima si era mossa distribuire Damaged, salvo poi tirarsi indietro a causa del tono sovversivo del disco (si sa le major son tutte uguali!). Scherzosamente i Black Flag suggerirono con uno sticker in copertina, la loro ironica risposta: «come genitore, trovo che questo sia un disco contro i genitori».
Fondamentali per la successiva generazione musicale, la band esprime in 15 tracce l’anima hardcore come nessuno prima d’ora. Ogni autorità è messa in discussione dai Black Flag … attenti mamma e papà !!!
 

Etichetta: Slash Records
Prodotto da: Geza X, Joan Jett, Jack Nitzsche, Chris Ashford 

Vivi in fretta, muori giovane. Un titolo o piuttosto uno stile di vita sin troppo seguito nel panorama musicale. Se il punk britannico ebbe il suo martire sgangherato in un bassista poco dotato, Sid Vicious; l’ancora neonato punk hardcore losangeliano lo ebbe nel giovanissimo Darby Crash.
La storia del punk hardcore è necessariamente legata a quella del punk ’77. Se nei primi anni ’80 quello che rimaneva del punk erano solo le spille da balia scassate e qualche giubboto in pelle sbiadito, il tutto soppiantato dalla “new wave” inglese o dalla minore “no wave” newyorkese; alcuni giovani adolescenti colsero l’energia primordiale e la scagliarono con tutta forza in liriche velenose a velocità supersoniche. Il punk hardcore si sviluppa a macchie in tutti gli USA, scene sotterranee e apparentemente silenziose, tuttavia quella californiana fu la più significativa, grazie a gruppi come i potenti Black Flag o i geniali Dead Kennedys, o ancora i deliranti Germs di Darby Crash.

Un leader non troppo leader. Più autodistruttivo che carismatico, accompagnato dall’ottimo Pat Smear (diec’anni dopo seconda chitarra dei Nirvana), dalla avveniente Lorna Doom al basso e dall’assatanato batterista Don Bolles. Il primo singolo Forming/Sexboy è datato 1977 e mostra tutti gli ingredienti essenziali del punk più genuino. Acerbi ma pungenti.

«Rip them down, hold them up
Tell me them that, I’m your gun
Pull my tigger, I am bigger than …»

E’ il chorus della pungente Forming, versi brevi, sputati con rabbia, taglienti come lame. Ironici e crudi allo stesso tempo. Il primo singolo edito dalla What? Records porta la seguente avvertenza:“Warning: This record causes ear cancer“. Un monito lucido e cinico. Un monito punk !
Un ulteriore conferma con l’ep Lexicon Devil, in cui l’omonima canzone è un concentrato di energia che non ha eguali, con Crash che sembra letteralmente posseduto: «I’m a lexicon devil with a battered brain». Sprezzante e piena di pathos marcio.

Un punk che ad ogni modo rientra ancora nei canoni dell’epoca. Solo con il primo vero e proprio album (GI)  ossia Germs Incognito, si scatena tutta la forza del gruppo. Le esibizioni dal vivo sono assolutamente pazzesche, come condensare in uno spettacolo solo rabbia, energia, euforia: solo chi ha visto può giudicare. Tuttavia da qualche raro contributo video o semplicemente nell’ascolto dei successivi brani si ha la conferma di questa sensazione di assoluta energia. Manimal. Appellativo dato a Darby Crash a causa della sua irruenza sul palco. Un vero e proprio animale selvaggio che propone musica selvaggia ma metropolitana. Con tutte le sue contraddizioni, assorbe lo smarrimento di un intera generazione, troppo giovane per i sussulti hyppie, ma crudelmente vissuta in fretta. We must Bleed diventa un inno impossibile da dimenticare, che racchiude una verità inquietante ma assoluta per i giovani americani della Western Coast.

La buona tecnica di Smear consente ai Germs di attingere ad un repertorio mai omologato e univoco. La velocità dei brani rimane essenziale come l’incisività dei testi di Crash, ma dal piano prettamente musicale non si può ignorare un progetto organico e ben strutturato. Richie Dagger’s Crime è il rigurgito hardcore più completo: graffiante la chitarra di Smear sulle linee di basso di Lorna Doom, ma la violenza maggiore la propone la martoriata batteria di Bolles. Essenziali nel messaggio le sintetiche Manimal e Our Way (piccoli classici da appena  2 minuti), mentre Shut Down (Annihilation Man) è il brano più complesso e lungo della band, in cui Crash sembra un predicatore isterico che sputa le sue liriche putrefatte e disperate.

Caught in my Eye esce postumo nel Ep del 1981 What we do is Secret (sempre prodotto da Joan Jett) e conferma tutte le qualità della band e se possibile intensifica la spasmodica esplosione di un hardcore geniale. Da citare l’ultima esperienza come Germs nella colonna sonora del film Cruising (controverso thriller con Al Pacino) nel quale compare confulsa Lions Share.

Darby Crash scioglie i Germs nel 1980, e il 7 dicembre viene stroncato da un overdose di eroina. Una morte silenziosa e oscurata da quella, paradossalmente avvenuta il giorno seguente, di John Lennon.

(MIA) The Complete Anthology racchiude tutta la carriera dei Germs e rimane il disco più “facilmente” reperibile (quasi introvabili gli esordi in 7 pollici) di una band che fece sentire la sua voce a suon di urla e di riff velocissimi. Una band costretta a sanguinare. Crash aveva ragione !

recensito da Poisonheart

Etichetta: Virgin Records
Prodotto da: Steve Osbourne
Registrato a: Real World Studios, Bath (UK)

Solo dopo 4 anni dalla loro formazione, i Placebo ottengono un considerevole riscontro commerciale grazie al loro secondo lavoro, a detta di molti un capolavoro, Without you I’m Nothing.
Una band eclettica, vellutata nella loro immagine e molto introspettiva nella musica. Capaci di creare un piccolo “fenomeno” in Inghilterra dalle proporzioni non trascurabili. Merito sicuramente dei fondatori Brian Molko e Stefan Olsdal, istrionici, confusi, oltre sessualmente ambigui; a rimarcare un esigenza già rilanciata da Marilyn Manson (vedasi Mechanical Animals, sempre del 1998). Alla fine del secolo una band così mancava nel panorama inglese. Fortemente ispirati dal look di Bowie e a livello musicale da Nirvana, Pumpkins e Cure, coniugano alla perfezione, almeno in questo disco, un disagio personale non solo interiore ma anche esteriore. Suoni crudi e taglienti accompagnati da liriche malinconiche e deprimenti, a metà tra il dark complesso di metà anni ’80 e le chitarre ruggenti e sgraziate dei primi anni ’90.

Le unghie delle mani colorate di nero che si alzano dal cornicione nei primi secondi del video di Pure Morning sono l’emblema di questo nuovo senso di appartenenza. I capelli dalle spalle corvini di Molko avvolto in un non precisato abito nero, sono l’antitesi del glam tanto caro ai critici musicali che tentavano di decifrarne la musica. Accostamento al glam-rock dovuto alla partecipazione di Molko e Steve Hewitt (il batterista) alla pellicola Velvet Goldmine diretta da Todd Haynes (lontano dall’essere un capolavoro sulla figura di Bowie e Iggy Pop). Ad ogni modo il singolo d’apertura centra l’interesse di molti, ottenendo un discreto successo. La voce a tratti effeminata a tratti metallica di Molko è la caratteristica peculiare di una band che altrimenti sarebbe lì nel mucchio delle buone promesse. I riff di chitarra non sono trascendentali, come del resto gli arrangiamenti: il disco è sostanzialmente composto da brani pop, il cui appellativo “alternativo” è quasi una forzatura. Se di alternativo si deve parlare allora quello è lo stile dei Placebo, arrogante, ambiguo («A friend whos dressed in leather») che maschera una fragilità emotiva evidente nei testi.

Ask for Answers è una limpida e triste allusione al suicidio, mentre You don’t care about us è la lotta personale interna di Molko contro il suo carattere scontroso e ferito. Se Brick Shit-House è l’unico pezzo dal sapore quasi punk, Every you, Every me è la fresca ballata pop intrisa di una vena agrodolce. Un disco sofferto in cui non si trova pace dalle vicende che attanagliano la band, dall’infanzia vissuta “diversamente” in Burger Queen, alla cosmica malinconia da teenagers di My Sweet Prince. L’apice si tocca con la preferita dei fans, la title-track Without you, I’m nothing; in cui i Placebo si mettono a nudo e scivolando giù in un oblio fatto di riff mielosi e ruvidi, probabilmente la canzone più triste degli anni ’90.   

Without you I’m Nothing rimane la perla assoluta dei Placebo, un disco a senso unico, compatto. Una caramella amarissima, forte e disperata. Un disco con rari momenti grigi su un monotematico sfondo nero, il pessimismo si vende a palate. Questo è l’eccessivo difetto: straziare l’ascoltatore e non solo a livello emotivo. Non ci sono brani musicalmente eterni (forse ad eccezione di Pure Morning) che sopravvivono al 1998, le somiglianze di stile sono evidenti e alla lunga invecchiano un disco che definirei “istantaneo”.
Se oggi ascoltate ancora i Placebo e non siete teenagers, allora fatevi vedere da uno bravo!

recensito da Poisonheart

Etichetta: Virgin Records
Prodotto da: Billy Corgan, Marl Ellis “Flood”, Alan Moulder
Registrato a: Chicago Recording Company, Chicago

Le “zucche” di Corgan sono tra i pochi gruppi influenti negli anni ’90. Tormentati e contraddittori, a seguire le bizze del loro deus ex machina, fautore di quella tristezza cosmica adolescenziale di cui, dopo la morte di Cobain,  è diventato massimo e geloso custode. Una band spesso in lotta con se stessa e con circostanze spesso sinistre e oscure (la morte del tastierista Jonathan Melvoin durante il tour del 1996), probabilmente frutto proprio di quella “infinita tristezza” tanto cara a Corgan.
I Pumpkins non possono essere annoverati tra le creature grunge (nonostante siano attivi nei primi anni novanta); tuttavia ne hanno cavalcato i confini, come in bilico su una lametta, spesso e volentieri sanguinando. Il loro rock acido, in grado di sollevare vibrazioni elettriche primordiali e crude, ha condensato pure influenze anni ’80, dal dark-gotico sino ad un metal trascinante e rabbioso: tutto certamente cosparso di una vena malinconica imprescindibile. Capaci di creare un disco ruvido e potente come Siamese Dreams (1993), per poi puntare con un pizzico di megalomania ad un ambizioso doppio come Mellon Collie and the Infinite Sadness, uscito nell’autunno del 1995 in pieno teen-pop.

Una sorta di The Wall della sua generazione. Almeno nell’intento di Corgan, che forte dei 4 milioni di album venduti con il precedente lavoro, scommette su un disco che difficilmente è stato proposto in ambito rock. Forse più verosimile indicarlo come un concept album sulla vita e sulla morte e sul dolore (il vinile è appunto diviso in aree tematiche); temi che oggi sembrano troppo intellettuali, ma che in quegli anni intrisi di alienazione erano normali.
Solo così si spiegano i successi di Tonight Tonight e Zero. La prima è un rock barocco e dal suono levigato da chitarre celestiali che sembrano piangere lacrime anziché accordi; l’altra un anti-inno carico di tristezza e pessimismo, un completo auto-annullamento della persona realizzato da chitarre ruggenti ed infuocate d’odio e disperazione «I’m your lover, I’m your zero, I’m the face in your dreams of glass».

Mellon Collie rappresenta l’apice compositivo del gruppo e dello stesso Corgan, con la migliore formazione di sempre in splendida forma: un James Iha assolutamente divino (nonostante venga messo in ombra dall’ego smisurato di Corgan), con il basso portentoso e variopinto di D’Arcy Wretzky e la carica distruttiva (ahimè, in tutti i sensi) della batteria di Chamberlain. Bullet with Butterfly Wings è il primo singolo, nel quale i Pumpkins assassinano l’udito e l’anima degli ascoltatori: il ritmo tribale iniziale di basso e batteria viene spazzato via da un uragano sonoro fatto di violenti e graffianti riff di chitarra, in cui non esiste limite al livello di gain. La gracchiante voce di Corgan sputa veleno a ripetizione: «And I still believe that I cannot be saved». Nichilismo allo stato puro !

1979 è il pezzo più pop del disco, non a caso super-consacrato da Mtv, fungendo da trampolino di lancio per il successo commerciale tanto agonato. Una ballata è intrisa di nostalgica alienazione da teenager, ove lo smarrimento, l’indecisione, la noia, rendono tutte le emozioni rarefatte, complice un arrangiamento ritmato e ammaliante: «To see that we don’t care to shake these zipper blues and we don’t know just where our bones will rest».

Tuttavia 4 singoli azzeccati, così potenti e così diversi tra loro non sono sufficienti a reggere un disco complicato e dal minutaggio doppio rispetto ad un normale lp. Corgan si intestardisce in una ricerca leziosa e fin troppo raffinata di nuove soluzioni musicali: Porcellina of the Vast Oceans è esageratamente articolata nei suoi tediosi 9 minuti e mal si inserisce accanto a potenti raffiche rock come l’immediata  Jellybelly, che ricorda gli esordi.
Se Here is No Why esalta un ottimo momento creativo della band,  la dolce Galapogos annichilisce l’animo e fa precipitare nell’angoscia l’ascoltatore; e ahimè di questi alti e bassi il disco è pieno zeppo.

Un disco difficile e accessibile allo stesso tempo. O meglio in Mellon Collie and the Infinite Sadness i pregi e i difetti si esaltano in ugual misura.
E’ il manifesto di una band tormentata, e con puntuale veggenza ne riassume i futuri momenti gloriosi e decadenti. Paradossalmente dopo questo album la spinta artistica del gruppo avrà un grosso stop, per poi evolversi in forme completamente diverse e inaspettate; ad ogni modo questo disco rimane uno dei migliori di tutto un decennio, fin troppo dedicato agli adolescenti e ai loro dolori interiori.

recensito da Poisonheart

Etichetta: Pye Records (UK); Reprise Records (USA)
Prodotto da: Shel Talmy
Registrato a: Pye Studios (N. 2), Londra

All Day and All of the Night uscì come quarto singolo nell’ottobre del 1964 (in concomitanza con l’album di debutto, The Kinks) in Gran Bretagna e qualche mese dopo negli USA. Se le premesse di You Really Got Me erano buone, in questo caso i Kinks si consolidano come fenomeno in patria, cogliendo il secondo gradino del podio nelle charts inglesi, e attestandosi nella top ten nella Billboard americana.

All Day and All of the Night nacque durante le registrazioni di You Really Got Me, ed infatti ne ricalca la forma, la tipologia di accordi e il ritmo di batteria, tuttavia si differenzia per un maggiore sforzo nell’arrangiamento che la rende certamente più completa.
Rimane intatta la spontaneità con cui i Kinks si espongono al pubblico, testi semplici e diretti e ritmi indiavolati. Da non sottovalutare nemmeno la velocità d’esecuzione, che rende la band molto più rock ‘n’ roll rispetto ad altri celebri concorrenti come per esempio i Beatles, più pop da un certo punto di vista.

Quattro ragazzi tranquilli viene da pensare. Tuttavia durante i concerti si trasformano letteralmente in animali da palcoscenico, suscitando scalpore per le loro esibizioni sopra le righe o per le loro risse. Celebre l’episodio al Capitol Theatre di Cardiff, nel maggio nel 1965 quando Dave Davies si azzuffò con il batterista Mick Avory travestito per l’occasione, a causa di futili motivi. Queste turbolenze sfociarono poi imprevedibilmente nella sentenza della American Federation of Musicians (il sindacato dei musicisti), che decise di bandire per 4 anni i Kinks dagli States. Decisamente un duro colpo per la band, mitigato solo con qualche altro ottimo singolo nel successivo biennio.

All day and All of the Night rimane tra le canzoni più celebri del periodo, e grazie ad un revival molto spinto la sua energia è rimasta intatta sino ad oggi. Gli Stranglers in particolare, nel 1988, furono protagonisti di un ottima cover in chiave pop.
Indissolubile, ad ogni modo, è il legame della band e del singolo con il movimento giovanile di metà anni ’60, riportato alla ribalta grazie al film The Boat That Rocked (‘I Love Radio Rock’, in Italia), nel quale il brano compare all’inizio della pellicola e nel trailer cinematografico.

Un motivo in più per riscoprire oggi i Kinks. 

recensito da Poisonheart

Etichetta: Geffen Records

Dicembre 2004: esce l’ultimo capitolo della storia dei Nirvana. Un cofanetto contenente 3 dischi pieni zeppi di rarità, demo casalinghi, B-side, e un dvd con i migliori concerti dal vivo: questo è With the Lights Out.
Dopo anni di battaglie legali per i diritti musicali, i due ex-membri la spuntano su Courtney Love; che ad ogni modo riesce qualche mese dopo ad ottenere una successiva pubblicazione tutta sua, con il meglio del materiale di questo cofanetto.
Il progetto è pensato in maniera piuttosto logica. Tre cd audio con circa venti tracce ciascuno a ripercorre una particolare epoca, in più un discreto contributo video con concerti e filmati rari e divertenti.

Il disco 1 presenta le selvagge sonorità degli inizi, dal primo show nel marzo del 1987 a Raymond, a casa di amici, per passare poi a cover dei Led Zeppelin e di Leadbelly, a grezze versioni di classici come Polly e About a girl. In questo primo disco spiccano If you must che sorprende per la carica angosciosa e lancinante, Blandest risalente ai demo con il produttore Jack Endino, e Token Eastern Song. Curiosa è Beans, un demo irriverente e paranoico ispirato a “I vagabondi del Dharma” di Jack Kerouac, non inclusa nel disco d’esordio Bleach perchè ritenuta troppo banale secondo i produttori. 

Il disco 2 si rifà al periodo di  Nevermind, le ballate sono meno selvagge così come le tracce inedite.  Versioni primordiali di Lithium o Sliver, persino una registrazione di Stay Away con il suo titolo originale Pay to Play. Una cover dei Velvet Underground, Here she comes now presente in ‘Heaven and Hell’, disco tributo alla band newyorkese. Due tracce interessanti come D-7 e Return of the rat dei Wipers di Greg Sage, già incluse in ‘Fourteen songs for Greg Sage and the Wipers’.
Demo acustici di Kurt come Opinion e Old Age ed una versione inititolata Verse Chorus Verse, a rimarcare il consueto modo di scrivere canzoni.

Il disco 3 è invece dedicato al periodo di In Utero. Due versioni di Rape me, con tanto di vagito da neonato come sottofondo, la splendida I hate myself and I want to die contenuta in un buffo omaggio a ‘The Beavis and Butt-Head Experience’. Kurt ironizzava sul titolo, che doveva essere quello di In Utero: «Dato che mi dipingono come il classico rompicoglioni, lamentoso, drogato e schizofrenico che non vede l’ora di farsi fuori, – “non è mai soddisfatto”- ; pensavo che fosse un titolo divertente ».
Sappy è una delle migliori produzioni mai eseguite, ma non trova spazio in nessun disco, così compare senza titolo in una sciocca compilation ‘No-Alternative’ . Una deliziosa traccia inedita, anche se demo, è Do Re Mi, registrata nel 1994, una delle ultime perle che magari avrebbero fatto da traino al successivo album mai venuto alla luce.

Il disco contenente tracce video non è stato strutturato intelligentemente come i tre cd audio. Sono presenti ben nove esibizioni dei primissimi Nirvana a casa di Krist nel capodanno 1988, ove spicca solo la cover Immigrant song dei Led Zeppelin, tra un mix di rumore assordate di batteria e luci che si accendono e si spengono ad intermittenza sulle note confuse degli inizi. La chicca è il video In Bloom prodotto dalla Sub-Pop, nel periodo in cui Chad Channing era il batterista dei Nirvana, poi una rara performance di Jason Everman in Big Cheese, e infine un concerto in cui alla batteria siede Dan Peters.
L’inedita Talk to me nel fenomenale concerto al Crocodile Cafè di Seattle nell’ottobre 1992 e a concludere la perla assoluta, la cover di Terry Jacks, Season in the sun, registrata a Rio de Janeiro durante il tour in Brasile. All’interno di uno studio di registrazione, Kurt canta e siede alla batteria, Dave intona le base di basso e un improbabile, ma spassoso, Krist si cimenta nel riff di chitarra, beh il risultato è da pelle d’oca. Si crea una tale atmosfera che il ritmo delicato della canzone e la voce rantolante di Kurt accentuano ancora di più, scorrono immagini varie del gruppo nei momenti di pausa fuori dal palco, e si nota la semplicità e la naturalezza di tre ragazzi di provincia che con il sogno di mettere su una band alla fine raggiungono successo e fama. Sembra quasi che i fotogrammi così scialbi e poco nitidi descrivano la difficile epopea dei Nirvana, dopotutto il gruppo musicale più importante degli anni novanta.

recensito da Poisonheart

Etichetta: Capitol Records
Prodotto da: Melissa Auf der Maur, Chris Gross

L’affascinante Melissa Auf der Maur dopo aver calcato i palcoscenici di mezzo mondo prima con le Hole di Courtney Love e poi nel tour del 2000 degli Smashing Pumpkins, decide di mettersi in proprio confezionando un grazioso lavoro.
L’esperienza certo non le manca. Alle Hole arriva in sostituzione della bassista Kristen Ptaff nel 1994 partecipando al tour di Live Through This e successivamente alla composizione dell’album “shock” Celebrity Skin del 1998. Il suo poderoso basso e la classe con qui lo suona è certamente l’asso nella manica dell’artista canadese. Terminata la turbolenta esperienza con le Hole, trova posto come turnista per quello che sarà il primo plateale scioglimento dei Pumpkins on the road. Ottima amica del cadaverico Corgan ottiene sempre un crescente interesse nell’ambiente del rock oramai divenuto alternativo (e non più grunge) della fine degli anni ’90.

Questo suo primo lavoro, semplicemente Auf der Maur, non è il frutto di un avventura spregiudicata, bensì è tutto il materiale scritto e raccolto in 10 anni di carriera. Il succo musicale è estremamente legato alle sonorità delle Hole, piuttosto che a quelle delle “zucche” di Corgan, miscelando i tratti ruvidi e aggressivi del basso a ballate interpretate con voce melodica. Il tutto non si esaurisce qui e, grazie a molte collaborazioni eccellenti, il disco prende una forma più concreta e variegata. A mitigare la suddetta base sonora ci pensano gli ex-compagni dei gruppi di cui ha fatto parte, su tutti il geniale James Iha e lo spilungone Eric Erlandson. Da citare anche l’ispido Josh Homme dei Queen of the Stone Age. Facile quindi concludere che l’album è un vaso di Pandora pronto ad essere aperto.

Il primo singolo, Followed the Waves, è acclamatissimo dalla critica. Fresco, suona molto originale con un poderoso power chord alla chitarra e leggerissimi riff accattivanti. L’impressione è in bilico tra il dark mascherato da alternativo senza però grosse pretese, il che fa del brano un ottimo rock accessibile a tutti. I cori del bridge conferiscono un aura celtica e pomposa al brano, fermo poi essere spazzata da un eccitante dialogo solista tra chitarra e basso.
Vagamente le stesse atmosfere per Real a Lie, in cui il talento di Melissa è confermato da questa ballata alla Bangles bagnata da tracce pop. Mantiene tuttavia atmosfere ceche, misteriose, nebbiose: fanno sì che il brano non sia mai svogliato. Molto più pop invece è il terzo singolo estratto, Taste you, in cui compare l’immortale genio di Mark Lanegan come backing vocals (chiaramente udibile nel finale del brano). Suoni meno cupi e più melodici, e da un certo punto di vista anche più colorati.

Si ritorna al sound delle origini vagamente riot grrrl con Beast of Honor. La voce della Auf der Maur si fa ammiccante e limpida, l’antitesi per eccellenza della Love; sorretta in maniera convincente da un rock curato e pungente. Scritta a quattro mani con Josh Homme è invece I’ll be anything you want. Ahimè si sente, poiché il brano suona alla Queen of the Stone Age in versione femminile. L’aggressivo stoner della band californiana non si addice molto allo stile dell’album, tuttavia è salvabile almeno per l’impegno. Non necessario invece l’esperimento al pianoforte di Overpower Thee, suona molto fumoso piano-bar di periferia: come estraneo a cena.    
Pollice in alto invece per My Foggy Notion, il volume qui va obbligatamente girato tutto a destra !

Ottimo esordio che accontenta tutti: i fedeli amanti del genere e gli amanti della splendida bassista dai capelli rossi. Chi ha detto che le ragazze non sono capaci a far del buon rumore alternativo?

recensito da Poisonheart

Etichetta: Atco Records
Prodotto da: Robert John “Mutt” Lange
Registrato a: Compass Point Studios, Nassau (Bahamas)

Nella musica come nella vita esistono dei paradossi che a volte suonano beffardi. Si pensi ad un album leggendario come Back in Black, vendutissimo e acclamatissimo dalla critica, che gli AC/DC realizzarono nel maggio 1980, senza il loro compianto frontman, Bon Scott. Una delle voci hard-rock più importanti e particolari della storia della musica, oltre che un leader carismatico e sostanzialmente pazzo. Il 19 febbraio del 1980 il corpo di Bon Scott fu ritrovato a Londra dentro una Renault 5. Nel mistero che aleggia sopra la sua morte, l’alcool sembra la causa più probabile e plausibile, oltre che uno stile di vita sempre sopra le righe.

Lo shock per gli AC/DC è devastante. Dopo un discreto esordio, finalmente nel 1979 Highway to Hell e l’omonimo singolo, sbancarono in grande stile e tutto sembrava essere in discesa per i fratelli Young. La tragedia del cantante scozzese, non solo privò la scena australiana (già povera di talenti) di un eccezionale personaggio capace di re-inventare la figura del frontman, ma gettò i rimanenti membro del gruppo in un abisso in cui in pochi si sarebbero salvati.

Angus e Malcolm Young e il fido bassista Cliff Williams cercano in studio di proseguire quella che era ormai un incerta carriera musicale. Il vuoto di Scott fu “colmato” (le virgolette sono doverose) da un ragazzone inglese con un buffo copricapo (la coppola, ndr): Brian Johnson. Le affinità vocali ci sono, quelle di mostro da palcoscenico sicuramente meno. Ad ogni modo Johnson entra in punta di piedi negli AC/DC per diventarne, con il tempo, il punto di forza.

Alla memoria di Bon Scott, i 13 rintocchi di campana segnano l’inizio di Hell’s Bells. L’atmosfera solenne e funerea viene smorzata dall’inconfondibile riff di Angus Young, per proseguire con l’impeto hard-rock della stridula voce di Johnson che mette i brividi: « You’re only young but you’re gonna die». Il tutto sfocia in un chorus efficace in cui l’intro inziale si mescola in maniera monumentale con gli acuti vocali del cantante. Indiscutibile la compattezza sonora garantita dal preciso accompagnamento di Malcolm Young e del basso, spesso sottovalutato, di Williams; imprescindibile l’assolo centrale di Angus, autentico marchio di fabbrica. Un brano questo che sostanzialmente si discosta dalle trame dei precedenti album, ma ne conserva l’essenza hard rock.

Sostenuta da un ritmo infernale, Shoot to Thrill è annoverata tra le migliori canzoni hard ‘n’ heavy della band; come del resto What do you do for money, honey?, diretta nel messaggio, in cui sesso, donne ed alcool non mancano mai. Quasi per esorcizzare la morte; questo album ha come tema centrale i vizi e i peccati veniali di una vita spesso on the road: insomma quella che era la vita di Bon Scott. Give the dog a bone è quella che si avvicina più allo stile del defunto cantante.

Let me put my love in to you fa da leggero antipasto alla maestosa Back in Black. Sempre suonata dei successivi live, è diventata (probabilmente assieme ad Highway to Hell) la canzone che identifica gli AC/DC anche per chi (colpevolmente!) non conosce il gruppo. Costante presenza in programmi tv o in fantasiose riletture da parte di altre band, questo brano è la quintessenza del hard rock, grazie ad un accattivante riff iniziale e ad un ottima performance di Johnson. L’assolo finale dovrebbe essere insegnato a scuola …

Terzo singolo è You shook me all night long, il più radiofonico del lotto e quello che decreterà proprio il successo commerciale dell’album. Ironia della sorte, è il pezzo con un testo praticamente monotematico, piuttosto esplicito e ammiccante: «She was a fast machine / She kept her motor clean/ She was the best damn woman i had ever seen». E’ il primo scritto da Brian Johnson.

Come b-side del terzo singolo, viene scelto Have a drink on me esplicitamente dedicata ai vizi di Scott.
A chiudere la provocante Shake a leg (il titolo già preannuncia tutto) e la sofisticata e vagamente blues Rock ‘n’ Roll ain’t Noise Pollution. Probabilmente un consiglio della band per i benpensanti o per i neofiti: questo è un disco da possedere !!! A tutti i costi …      

recensito da Poisonheart

Etichetta: Magic Circle Music Records, Audioglobe Records
Prodotto da: Luca Turilli e Alessandro Staropoli
Registrato a: The House Of Arts Zin , Repubblica Ceca; Sanctuary Townhouse Studios, Londra. 

“UN’ERA DI SANGUE DI OSCURE MEMORIE
RINASCE IN HARGOR PER NUOVO MAL
ELETTI IN ELGARD GUARDIANI DEL FATO
OR SONO E SARANNO I VERI EROI” 

E’ tempo di grandi cambiamenti per i triestini Rhapsody of Fire: il nuovo bassista   francese Pratice Guers assoldato per sostituire il defezionario Alessandro Lotta. Poi il nuovo contratto con la  major Magic Circle Music Records (leggasi come “Manowar”) che ha dato a disposizione un elevato budget alla band, permettendo così di avere un’orchestra di ben 130 elementi più 40 coristi; ma non finisce qui, come narratore dell’abum viene ingaggiato niente meno che l’attore Christopher Lee.

Con questo disco si inaugura la “Dark Secret Saga” e per l’occasione la band decide di ritornare alle sonorità iniziali, ovvero largo spazio a parti orchestrali e strumentali per rendere il tutto il più maestoso possibile (anche se a volta risulta un po’ troppo pletorico e ampolloso).
L’inizio è in mano alla calda  voce narrante di  Christopher Lee  e ai cori apocalittici di “Ira Divina” i quali creano un pathos geniale.

“Unholy Warcry”  è il pezzo che mette in chiaro come saranno strutturati un po’ tutti i brani dell’album: chitarra a tutta velocità su un accordo, il batterista Alex che abusa della doppia cassa facendo diventare la batteria un elicottero, insomma tutti i cliché del power metal Helloweeniano. Ma queste cose vanno in secondo piano grazie alle ottime parti orchestrali che si fondono alla perfezione con le sonorità più heavy.
Inoltre finalmente Luca Turilli dopo anni  riesce a cimentarsi in un assolo come si deve, senza più ricorrere al ‘sweep picking‘  o a trovate di scarso interesse. Anche  il tastierista Alessandro Staropoli ha evoluto la sua tecnica: tutti i riff sono più maturi e meglio congegnati, quindi niente più assoli di tastiera che ricordano videogiochi anni ’80.

Il brano più entusiasmante è senza ombra di dubbio “Sacred Power of Raging Winds”, nel quale ha collaborato un certo Claudio Simonetti (ex componente dei Goblin, creatori della colonna sonora di molti film di Dario Argento). Fabio Lione fa da matador per tutto il pezzo, cantando magistralmente, interpretando i personaggi della storia in maniera imprescindibile. Ma la parte fenomenale è quella finale dove viene citato il tema del film Profondo Rosso rivisitandolo in chiave sinfonica, celebre anche la sorta di sfida all’ultima nota tra Luca e il violinista.

La band non si è di certo dimenticata delle sue origini italiane, ed ecco un brano interamente nella loro madrelingua, questo è “Guardiani del Destino”, dove Fabio la canta in modo ‘Branduardesco‘.
La più aggressiva è “Shadows  of Death”, molto varia nel quale la parte orchestrale non interferisce con le chitarre; Luca da meglio creando assoli che richiamano opere classiche come quelle di Paganelli.
C’è spazio per l’emozionante “The Magic of The Wizard’s Dream”, nella quale Fabio duetta con Lee. Canzone dolce e intensa che se fosse entrata in qualche classifica nostrana sarebbe stata nei primi posti per diverso tempo.

Questo è un grande disco dei Rhapsody of Fire, nel quale la band ha la possibilità di mettere in mostra nel migliore dei modi il loro metal sinfonico. E ridendo e scherzando questo album ha venduto qualcosa come un milione di copie in tutto il mondo, trovatemi un’altra band italiana che ha fatto di meglio.

recensito da Mighell

Etichetta: Pye Records (UK); Reprise Records (USA)
Prodotto da: Shel Talmy
Registrato a: IBC Studios, Londra

Era l’estate del 1964 quando i Kinks salivano al n.1 delle charts inglesi con You Really Got Me. I Beatles sarebbero volati negli States per diventare leggenda, mentre gli Stones erano ancora all’ovile, aspettando che l’ispirazione di Jagger sfociasse definitivamente in qualcosa di sensazionale. A scuotere la nostalgica english summer ci pensarono i fratelli Raymond e Dave Davies, assieme al bassista Peter Quaife e al preciso batterista Mick Avory.

Sfoderando un rock ‘n’ roll frizzante ed esagerato i Kinks, dapprima passano inosservati con i singoli Long Tall Sally e con You Still Want me, pubblicati all’inizio del 1964, per riscuotere più attenzione quando, aggregandosi in un tour con gli Hollies e Dave Clark Five, lanciano You Really Got Me.

Costruita con semplici power chords, racchiude in se la semplicità e l’immediatezza di un epoca. Ritmi veloci, spinti da una ventata di ribelle rock ‘n’ roll, i Kinks riescono a unire una melodia orecchiabile ad un impeto di energia giovanile che nella metà degli anni ’60 era in esplosione sfrenata.
Ray Davies in seguito spiegherà che la canzone nacque per caso durante il rifacimento della storica Louie Louie dei Kingsmen, riportata poi in auge dagli stessi Kinks. Il testo semplice e scanzonato, parla di una passione irrefrenabile per una certa ragazza; nulla di più immediato insomma. In 3 minuti e spiccioli altrettante strofe assonanti e un chorus liberatorio, con tanto di assolo nevrastenico da parte di Dave Davies.  

L’album omonimo poi edito nell’ottobre del 1964 annoverava trascurabili canzonette della tradizione inglese ed alcuni omaggi al mitico Chuck Berry. Decisamente meglio quindi il singolo, che oltre a fare centro in patria, sbarcò pure negli Usa con un onesto 7 posto, da preludio a quella che sarebbe stata la British Invasion in grande stile.

Per quella sua energia immediata, You Really Got Me, fu considerata dagli specialisti come la prima vera e propria canzone hard rock della storia. Fa un certo che pensare a una cosa simile, tuttavia … provare per credere !

recensito da Poisonheart

Etichetta: Emi Records
Produtto da: Martin Birch
Registrato a: Musicland Studios, Monaco

L’ approccio dei Maiden con le tastiere e sintetizzatori è iniziato nel precedente disco “Somewhere in Time”,  ma il tutto era accennato e quindi il sound classico maideniano cambiava leggermente rispetto prima. Ora invece in questo  long play la ‘vergine di ferro’ sembra aver rotto gli indugi e le tastiere sono quasi sempre presenti, tanto che alcuni fans avranno storto il naso sentendo qualche brano (Bruce Dickinson in un’intervista disse: «Non si può fare heavy metal con le tastiere…»).

Questo disco è anche il primo concept album dei Maiden che si basa su storie paranormali, le quali riprendono diversi passaggi della Bibbia (l’Apocalisse di Giovanni su tutte).

«Sette peccati mortali
Sette modi per vincere
Sette sentieri sacri per l’inferno
E il viaggio inizia;

Sette pendii discendenti,
Sette speranze insanguinate,
Sette sono i tuoi fuochi ardenti,
Sette i tuoi desideri…»

Seventh Son of a Seventh Son inizia con questo incipit recitato da Dickinson (il sette è un numero fondamentale del concept del disco) il quale da il via a “Moonchild”: non c’è nessuno che non sia rimasto basito udendo le prime note del brano, ovvero un riff di tastiera pseudo-pop, tuttavia è solo una momentanea apparenza. Il pezzo procede in modo quadrato e Bruce è teatrale come non mai e, pare proprio di ascoltare una storia epica d’ altri tempi (i nostrani Rhapsody of Fire devono molto a questo album).
“Infinite Dreams”è una ballad diversa dal solito, in quanto a metà brano entrano di prepotenza le classiche cavalcate interminabili degli Iron e diventa tutto un po’ più aggressivo. Ottimo brano, peccato che nei  live la band l’ha riposto nel dimenticatoio.

Ora passiamo ai due singoli principali del disco: stiamo parlando di “Can I Play with Madness?” e l’indimenticabile “The Evil that Men do”, il primo è un pezzo banalissimo sul quale è meglio stendere un velo pietoso (visto gli sviluppi nell’album successivo …), mentre il secondo fa parte della storia della ‘vergine di ferro’: canzone malinconica e potente che ogni fan conosce come le suole delle proprie scarpe.

Ma il capolavoro è l’incredibile title track, è davvero complesso descrivere una canzone del genere, dove  il rock-progressive di classe si tinge di sfumature epiche e maestose delle tastiere. Da inchino è la performance alla batteria  nella parte centrale del brano  di McBrain, dove crea un riff il quale accelera  lentamente con il procedere del brano, il tutto con la precisione di un chirurgo. Murray e Smith di certo non stanno a guardare e tirano fuori l’impossibile dalle chitarre.
“The Clairvoyant” è il pezzo con il testo più onirico e musicalmente è il seguito di “The Evil that Men do“: anche se è un po’ confuso è un brano piacevole.

Dopo questo indubbio capolavoro i Maiden inizieranno a sprofondare nella voragine della mediocrità, dalla quale tutt’oggi non riescono  ad uscirne completamente.

recensito da Mighell

Etichetta: Track Records
Prodotto da: Chas Chandler
Registrato a: De Lane Lea, CBS, Olympic Studios; Londra

L’incontro del giovane ed estroso chitarrista venuto da Seattle, Jimi Hendrix, con il produttore, nonché ex bassista degli Animals, Chas Chandler, fu il primo biglietto di sola andata per la leggenda.
Il miglior chitarrista della storia della musica. Definizione ovvia.
Era il 1966 quando Hendrix, che già calcava i palcoscenici dal 1964 o come turnista o come membro di qualche band (da ricordare la sua prima The Isleys Brother’s  Band), ebbe il fatidico incontro con quello che diventerà il suo produttore storico.

Atterrato a Londra, Hendrix fu accopagnato da Mitch Mitchell alla batteria e Noel Redding al basso: ecco a voi The Jimi Hendrix Experience.
Entrato quindi nel circuito giusto, non gli fu difficile farsi notare da chi all’epoca deteneva la corona di migliore chitarrista, tuttavia il 18 giugno 1967 al festival di Monterey fu scritta indelebile la storia. Dopo l’esibizione dei Grateful Dead, fu il turno della Jimi Hendrix Experience, una delle migliori performance di sempre, il pubblico andò in visibilio osservando l’impressionante abilità del chitarrista che non si limitò a suonare come un dio, ma a diede spettacolo suonando la sua Fender Stratocaster dietro la schiena, con i denti, e nel gesto più plateale, dandogli fuoco alla fine del concerto.

Are you Experienced ? uscì nel maggio del 1967 in Inghilterra, dopo che il singolo Hey, Joe/Stone Free aveva dato un primo gustoso assaggio delle capacità della nuova band. Negli States invece, si dovette aspettare la fine di agosto, laddove oramai Monterey aveva già spalancato le porte del mito. Nelle due edizioni, inglese e americana, come spesso accadeva all’epoca, ci fu una diversa track list.

Foxy Lady apre quella inglese, con il celeberrimo riff di chitarra miscelato ed accompagnato magnificamente dal basso di Redding. Qui ovviamente non si parla semplicemente di un abilità stilistica fuori dal comune, ma di invenzioni, personalizzazioni, diavolerie di un Hendrix indecifrabile e avvolto completamente nel suo genio. Per comprendere la sua musica è necessario pensare fuori dagli schemi, tutto è una magnifica jam-session, ove l’uso del feedback viene abusato e ne diventa un ingrediente essenziale.
Manic Depression e Red House fanno parte di un articolato repertorio che prende molto dal blues, meno istintivo e meno per così dire hippy. Specialmente la seconda è una lenta ballata acida e blues spesso riproposta nei concerti, con esibizioni sempre memorabili; ebbe pure seguito nel circuito musicale e fu coverizzata da molti famosi artisti anche contemporanei.      

Il resto del disco si concede a trip orgiastici tra Hendrix e la sua Stratocaster, accompagnati da un’arrembante batteria e da un basso tanto preciso quanto lisergico. Da citare Fire (pubblicata come singolo solo nel 1969) con quel suo ritmo indiavolato e le numerose allusioni sessuali, che rendono il brano molto ammiccante e praticamente mai volgare. Chiude la versione inglese con la title-track Are you Experienced?, molto articolata e decisamente psichedelica, con chitarra e basso in fase di missaggio registrate in alcune parti al contrario.

Nella versione USA c’è posto per Hey, Joe, la popolare canzone di Billy Roberts, interpretata da Hendrix magistralmente, grazie ad un basso e una batteria avvolgenti e omogenei. E’ certamente il brano più conosciuto del chitarrista, assieme probabilmente a Purple Haze che apre l’edizione US. Inconfondibile l’intro, sostenuto dalla logorroica batteria di Mitchell; è la tipica canzone della Jimi Hendrix Experience, acida, lisergica, ammaliante per qualsiasi orecchio. Uscito come singolo sia in UK che in USA ottenne un successo planetario: l’estate del 1967 ha la sua colonna sonora.
Dolce invece la funambolica ballata di The Wind Cries Mary, blues quanto basta e decisamente influenzata da una grande passione di Hendrix: Curtis Mayfield musicista di colore blues ‘n’ soul di discreta fama negli anni ’60.

Are you Experienced? è stato valutato come il miglior lavoro di Hendrix e soci. Ma questo probabilmente lo sapevano già chi il 18 giugno a Monterey osservava un dio tra le fiamme della sua Stratocaster, un dio nero.

recensito da Poisonheart

Etichetta: Danny Rose Records; Venus Records
Prodotto da: BandaBardò

«Sono fuori dal coro lentamente diverso, le mode se ne vanno io  resto … e MANIFESTO …».
Così ha inizio “Se mi rilasso collasso”,  primo album live datato 2001 dell’ italiana BANDABARDO’. Una raccolta di successi  della band quasi fiorentina, che mette la poesia e la ritmica alla base della propria tipica sonorità e li trasporta, in maniera ossessiva e altalenante, tra un sound all’ altro in chiave ovviamente acustica.
La band che all’ epoca aveva all’ attivo tre album, non sfonda nel panorama internazionale ma con questo live (e sottolineo che una vera band e una vera musica si vedono e si sentono solo dal vivo …), da  sfoggio delle loro notevoli capacità, impressionante sinergia e sintonia con il pubblico. Quello stesso pubblico che è aumentato negli anni e li sostiene ovunque vadano a suonare. Ciò che contraddistingue infatti la banda dagli altri gruppi concorrenti, non sono solo le tematiche più che attuali che vengono presentate in ogni pezzo, ma anche una carica esplosiva e magnetica che si liberano ogni qualvolta si trovino di fronte ad un pubblico giovane e riccettivo.

Formata nel ’93 dal cantante Erriquez e dal chitarrista Finaz, dà omaggio ad una grande attrice (BRIGITTE BARDOT) del cinema mondiale prendendo il nome e unendolo al loro DNA di banda.  Cercando di creare il più possibile ballate e cantilene acustiche molto dirette ma anche ricche di poesia; con testi articolati e spaziando a più non posso tra un acustico incisivo e un folk ricco di sonorità.

Ovviamente come in ogni gruppo che si rispetti, gli anni servono a sperimentare e a raccogliere una capacità  di creare arte, fatta più che propria nella BANDABARDO’. Temi e problematiche attuali, ma anche sogni e speranze si fanno vivi nei nastri del gruppo, incisi in album precedenti come il debutto di ‘IL CIRCO MANGIONE’ o il bellissimo ‘MOJITO FOOTBALL CLUB’ da dove ancora oggi pescano brani nei concerti.

Ma tornando all’ album in questione, l’unica inedita è ‘MANIFESTO’ che apre l’ album; pezzo nuovo molto incisivo specie nel testo (ascoltare per credere!); proseguendo con un racconto di un ‘forse’ tradimento in ‘CUORE A META’’ e di un vile abbandono del cane Pedro in ‘PEDRO’ appunto. Dai temi più disparati come la sbronza in ‘IL MURO DEL CANTO’ e di sogni e speranze in ‘SUCCEDERA’ fino alla  ballata acustica di ‘BEPPEANNA’.

Per chi ascoltasse l’ album, abbiate un po’ di pazienza alla fine dell’ ultima canzone ‘W FERNANDEZ’ ………………….. c’è sempre una giornata uggiosa ………………… ! ! !

recensito da Ramirez

Etichetta: Parlophone Records (UK); Capitol Records (USA)
Produttore: George Martin 
Registrato a: Abbey Road Studios, Londra

 
E’ considerato il più grande 45 giri della storia del rock e pone fine al lungo silenzio musicale dei Beatles cominciato dopo l’uscita di Revolver.
In realtà Strawberry Fields Forever / Penny Lane (insieme a When I’m sixty-four) avrebbero dovuto far parte di un disco dedicato all’infanzia di John e Paul a Liverpool; ma la Capitol aveva “bisogno” della pubblicazione di un singolo. Così i due Beatles consegnarono a malavoglia le prime due e accantonarono la loro idea.

Per la prima volta i due autori principali dei Beatles applicavano i loro differenti stili ad un medesimo concetto: risultati molto vicini della sostanza, sebbene ottenuti in modi completamente differenti.
Nato quindi, non per volontà del gruppo ma bensì della casa discografica, questo singolo contiene due brani che figurano come splendide espressioni delle diverse personalità degli autori: mentre Paul ricorda la sua infanzia con la poetica Penny Lane, John la dipinge attraverso il caos organizzato di Strawberry Fields Forever.

Quest’ultima, registrata dopo 100 ore di studio, è ritenuta la più bella canzone del periodo psichedelico e forse di tutta la storia dei Beatles. Rappresenta una delle più belle visioni dell’autore, il quale sente il romantico bisogno di solitudine sognando un mondo diverso: malinconico ma allo stesso tempo coloratissimo.
Originariamente la Strawberry Field (senza la ‘s’ finale) era un grande edificio vittoriano situato a poca distanza dalla casa natale di John, in Menlove Avenue, trasformato poi in una casa d’accoglienza per bambini.

Paul invece scrisse Penny Lane (nome di una celebre via di Liverpool), per rendere omaggio a quella sua infanzia proletaria che più volte si è limitato a riconoscere. Cinicamente una volta disse: «Non mi sembra di aver composto niente di particolare». Forse aveva ragione, però poi la storia gli ha dato torto. Il testo cita molti personaggi che si potevano trovare lungo quella via di Liverpool, come ad esempio il barbiere del suo negozio che fotografa tutti i modelli di taglio che è capace ad eseguire, o il pompiere che in tasca ha sempre il ritratto della regina, oppure la crocerossina che vende papaveri.

Nonostante tutto Strawberry Fields Forever / Penny Lane, fu il primo singolo del gruppo (ad esclusione di quello di debutto, Love me do) a non arrivare alla posizione numero 1 delle charts inglesi.

recensito da LittlePunkMouse

Etichetta: Geffen Records
Produttore: Michael Beinhorn, Eric Erlandson
Registrato a: Conway Studios & Record Plant, L.A; Quad Studios, N.Y.; Olympic Studios, Londra

Per una band che nel 1992 firma un contratto di 8 album con la Geffen e che nel 1998 pubblica il suo secondo disco con l’etichetta (e terzo in totale) c’è da chiedersi: o il gruppo è molto astuto (o pigro, dipende dalle inclinazioni) o la label ha toppato alla grande. La verità come sempre non c’è o sta nel mezzo.

Celebrity Skin esce nel 1998, in quello che alcuni considerano un anno d’oro per la musica rock o cosiddetta alternativa, tuttavia di alternativo questo disco ha ben poco. La gestazione è stata lunghissima (un anno e mezzo, manco fossero i Pink Floyd) e se si pensa che il precedente disco, l’ottimo Live Through This, uscì a pochi giorni dalla morte di Cobain, si comprende bene come le Hole siano più un cantiere aperto che una band. Ovviamente in mezzo ci sono stati incidenti, decessi, droga, tribunali e una scarna discografia rimpinguata con ep o raccolte di scarso valore artistico.

Per chi si aspettava un ultimo ruggito grunge rimane deluso. “I nostalgici non piacciono a nessuno“, avrà pensato Courtney Love. Al lavoro assieme all’inossidabile Erlandson (che produce anche) e alla sfavillante Melissa Auf der Maur si giunge ad un disco pop-rock, zuccheroso, a tratti bubble-gum, con qualche paillettes e con un sound decisamente usa e getta. Senza trascurare l’ombra di Billy Corgan in fase di arrangiamento.
L’aggressività del passato è accantonata in favore di ballate melodiche come Malibu, che rimane probabilmente la gemma del disco. Creata ad hoc come canzone per la tarda estate californiana (il videoclip è esplicativo) porta in seno gli ingredienti giusti: chitarra acustica, nostalgia e un ritornello da cantare a squarciagola.

Eppure i primi secondi del disco promettevano bene: la tittle-track appare decisa e suonata con convinzione, a tratti cattiva. Ahimè, tutto un trucco: la sinuosa Hollywood trattata come una puttanella qualsiasi nelle liriche acide della Love, peccato che sia stato già detto tutto su questo tema. Ad ogni modo il singolo porta bene e l’album ottiene un discreto riscontro commerciale. Ciò che non si può sottovalutare è la forza ammaliatrice della canzone che ne fa probabilmente una delle migliori della carriera delle Hole.

Awful segue le stesse orme della sopracitata Celebrity Skin, isolandosi in un ambiente pop appena viscido; mentre decisamente funerea è Dying, nel quale il lavoro di Corgan è palese. Salvabile la frizzante Heaven Tonight, a dimostrazione che l’accoppiata Erlandson-Love funziona bene; come anche la malinconica Northern Star nel quale il dualismo acustico-elettrico dell’arrangiamento coglie nel segno.
Una parola anche per Petals che chiude il disco. Meraviglioso il basso della Auf der Maur che s’intreccia bene con la semplice melodia di base: il tutto esplode nel solito chorus tirato alla Bangles.

Messo alla berlina dalla critica, un po’ per abitudine un po’ per la pochezza di idee, Celebrity Skin è un disco onesto, ascoltabile anche se non eccelso. E’ l’ultima fatica, per così dire, delle Hole che solo nel 2002 ufficializzano un addio che era già effettivo nel 1999. Per descriverle questo disco, probabilmente è sufficiente citare una delle canzoni contenute nel lp, ossia Use Once & Destroy. Chiaro, no?!

recensito da Poisonheart

Etichetta: Decca Records
Prodotto da: Johnny Miller
Registrato a: Olympic Studios, Londra

Dopo lo sfogo psichedelico, solo in parte convincente, di Their Satanic Majesties Request, gli Stones ritornano alle vecchie maniere riproponendo un ottimo rythim-blues da hit parade.
Jagger e Richards rimangono impressionati dall’ottimo lavoro in fase di produzione palpabile in alcuni dischi dei The Spencer Davis Group. La regia è di Johnny Miller e verrà arruolato immediatamente alla corte degli Stones. Nel marzo del 1968 iniziano a registrare il loro settimo album in studio e il primo banco di prova è 45 giri Jumpin’ Jack Flash che esce nel maggio dello stesso anno. Il successo del singolo, in testa alle classifiche U.K. conferma che il contributo di Miller è fondamentale.

Beggars Banquet  risveglia i Rolling Stones dal torpore e li ripropone sulla cresta dell’onda che cavalcano ancora con estrema spavalderia. Le 10 canzoni del disco sono perfette, compatte, tirate. Nessuna esitazione, nessun dubbio. Tutti in forma smagliante, Brian Jones permettendo, oramai sopraffatto dal proprio stravagante personaggio. Tuttavia anche lui fa il suo dovere, senza strafare, offre un contributo discreto.
La fortuna di Beggars Banquet non deriva solo dal buon lavoro di Miller. Sono almeno 2 i singoli che trainano l’album nell’olimpo dell’antologia discografica.
Sympathy for the Devil è certamente il titolo più altisonante del disco. Inizia con le congas e il piano, suonati rispettivamente da Rocky Dijon e Nicky Hopkins, ma è una falsa pista; ben presto si approda ad un rock intelligente e non convenzionale. Jagger, probabilmente, si ispira ai lavori di Mikhail Bulgakov, drammaturgo russo dei primi del ‘900 (fra tutte spicca il romanzo ‘Il Maestro e Margherita’), per tessere delle liriche di rara bellezze e colme di verità. La scusa del diavolo è una trovata geniale: i nuovi ideali giovanili della fine degli anni ’60 che si scontrano inevitabilmente con i dubbi e i timori di quella stessa generazione. Non si risolve mai la contraddizione, ma gli Stones fanno riflettere, e non si nascondono nel trattare questi temi difficili. L’iconografia della cristianità viene sminuita «And I was round when Jesus Christ / Had his moment of doubt and pain»; stessa sorte capita per i temi politici, dalla rivoluzione russa «Killed the czar and his ministers / Anastasia screamed in vain», ai Kennedy «Who killed the Kennedys? / When after all it was you and me»; sino alle autorità «Just as every cop is a criminal / And all the sinners saints as heads is tails». Un brano forte e provocatorio, sorretto tuttavia da un ritmo quasi tribale, coadiuvati dai sinistri cori  di Marianne Faithfull  e di Anita Pallenberg, le “muse” storiche. Ovviamente il brano suscitò le più disparate reazioni, dalla minaccia del satanismo nel rock fino alla celebrazione dell’anticristo. Insomma, di tutto di più, disattendendo completamente il significato reale del brano. Evviva i bigotti, come al solito !

Oltre a questo capolavoro, gli Stones offrono un bellissimo tributo al bluesman Robert Johsson, con la ballata acustica vagamente contry di No Expectation. Alla chitarra slide Brian Jones, che regala al brano una pace quasi celeste.
Il blues torna preponderante in Parachute Woman, uno dei brani più efficaci del disco; con un Richards musicista consumato tra chitarre elettriche e acustiche e un pimpante Jagger all’armonica. Mentre Jigsaw Puzzle miscela lo slide delle chitarre con il piano dal sapore blues. Il risultato è ottimo. Ad un ascolto distratto può apparire vagamente simile allo stile di Bob Dylan, tuttavia è solo fumo negli occhi.

Il lato B apre con un altro singolo monumentale, come Street Fighting Man. Brano dai forti connotati politici e ispirato alle proteste dei movimenti  studenti francesi nel maggio del 1968, «…cause summers here and the time is right for fighting in the street». Un ritmo infernale fatto di chitarre graffianti, un gran pezzo rock ‘n’ roll, nonostante qualche spruzzo melodico di piano e di sitar.

Da segnalare anche Stray Cat Blues e Factory Girl. La prima è il solito efficace blues marchiato Richards che verso metà svolta decisamente nell’improvvisazione più frenetica, la seconda invece è una calda ballata country in bilico tra atmosfere decisamente esotiche e quelle più miti di estrazione celtica. Salt of the Earth è il contributo finale con Richards alla voce.

I Rolling Stones chiudono il 1968 con un album forte e coerente. Altri artisti avrebbero inciso album dalle tinte forti, Vietnam, politica, nucleare, diritti civili. Gli Stones solo parzialmente affrontano tali argomenti, ma riescono a cogliere nel segno offrendo nuovi punti di vista rispetto a quelli oramai consueti.
Beggars Banquet è un album da possedere, non ci sono ragioni particolari, ma anche solo ascoltare Sympathy for the Devil può essere sufficiente.
A meno che non siate convinti che dietro al rock ci sia il diavolo !!!

recensito da Poisonheart